Renacimiento

Grandes representares del renacimiento
 
Miguel Ángel Bounarroti 
Fue un escultor, pintor y arquitecto italiano del siglo XV y XVI (nació el 6 de marzo de 1475 y murió el 18 de febrero de 1564) conocido principalmente por la escultura de “El David” y la obra pictórica que recubre la bóveda de la Capilla Sixtina. Nació en Caprese, municipio italiano de la provincia de Arezzo, denominado actualmente Caprese Michelangelo en su honor. Comenzó su formación como pintor a los 12 años en el taller de la familia Ghirlandaio y un año más tarde se adentraría en el mundo de la escultura a través de Bertoldo di Giovanni, el cuál le introduciría en el influyente círculo de los Médici. Desde entonces desarrolló una fructífera vida artística entre Florencia y Roma, de cuyo amplio legado destacan dos grandes obras: El David y la bóveda de la Capilla Sixtina. Sus últimos años los dedicó a la arquitectura hasta que falleciera en Roma a los 88 años de edad.
Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime, alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.
La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible. En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser inyectada de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es, el detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana.

Leonardo Da Vinci
Nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina y de Ser Piero, un rico notario florentino. Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente, dibujando animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. Su gran imaginación creativa y la temprana maestría de su pincel, no tardaron en superar a las de su maestro El joven discípulo utilizaba por vez primera una novedosa técnica recién llegada de los Países Bajos: la pintura al óleo, que permitía una mayor blandura en el trazo y una más profunda penetración en la tela.
Además de los extraordinarios dibujos y de la participación virtuosa en otras obras de su maestro, sus grandes obras de este período son un San Jerónimo y el gran panel La adoración de los Magos (ambos inconclusos), notables por el innovador dinamismo otorgado por la maestría en los contrastes de rasgos, en la composición geométrica de la escena y en el extraordinario manejo de la técnica del claroscuro.
La ultima cena fue una pintura mural realizada entre los años 1495 y 1497 para el refectorio (comedor) del convento de Santa María della Grazie en Milán por encargo de su mecenas en la época milanesa, Ludovico el Moro. Su estado de conservación, después de numerosos problemas y restauraciones, es muy malo. La pintura representa la Última Cena que celebra Jesús en compañía de sus discípulos. Parte de una simetría marcada por Cristo como eje. Su figura, en forma piramidal ocupa una porción importante del espacio central, aislado del resto y recortada a contraluz contra la ventana que, con su frontón curvo, vuelve a remarcar su figura, casi como si fuera un nimbo. A sus lados, los apóstoles se ordenan en dos grupos de tres personajes que se relacionan entre sí a través de los gestos de las manos. Estos grupos generan una serie de tensiones internas y contrapesadas dentro del lienzo, y así, mientras a la izquierda de Cristo los apóstoles más cercanos retroceden, este movimiento se contrapone y anula con los de la derecha, que avanzan.
La Gioconda Pintura que se utilizó la técnica del óleo sobre tabla, se realizo entre 1503 y 1506, La fascinación que ha ejercido a lo largo de los siglos y el poder que tiene sobre la mirada del espectador obstaculizan un análisis objetivo, dado el icono en que se ha convertido para la cultura del mundo moderno y contemporáneo. En ella se citan todas las características de la pintura de Leonardo: el empleo del sfumato, técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos; el hermoso paisaje del fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible; la ambigüedad del rostro, la indefinición sexual que la hace parecer una mujer, un mito de androginia que tiene referencias inacabables con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre. El retrato es el de Madonna Lisa, la señora Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde toma su sobrenombre. Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. De sus manos pasó a la colección real de Francia y hoy puede verse en el Museo del Louvre, protegida por un panel blindado y envuelta en un remolino de turistas que la fotografían sin cesar.

Raphael
Raphael nació el 6 de abril de 1483, en Urbino, Italia. Se convirtió en aprendiz de Perugino en 1504. Vivir en Florencia desde 1504 hasta 1507, él comenzó a pintar una serie de "Madonnas". En Roma 1509-1511, pintó la Estancia de la Signatura ("Sala de la Signatura") frescos situados en el Palacio del Vaticano. Más tarde pintó otro ciclo de frescos para el Vaticano, en la estrofa d'Eliodoro ("Estancia de Heliodoro"). En 1514, el Papa Julio II contrató a Rafael como su principal arquitecto. Casi al mismo tiempo, completó su último trabajo en la serie de las "Madonnas", una pintura al óleo llamada la Madonna Sixtina. Rafael murió en Roma el 06 de abril 1520.
Las Gracias que se utilizó la técnica del óleo sobre tabla, se realizó entre 1504 y 1505 encargado por un importante noble italiano a Rafael al poco de llegar el artista a Florencia. Siempre se ha considerado a Scipione di Tomaso Borghese como el cliente pero en la actualidad se especula con la posibilidad de Francesco Maria della Rovere, apuntándose también como el protagonista del retrato de Joven con manzana. Las tres figuras simbolizarían las Hespérides, ofreciendo la eternidad a sus afortunados elegidos como en el caso del comitente. Las Gracias están inspiradas en las esculturas clásicas por las que Sanzio manifestó una interesante admiración a su llegada a la capital de la Toscana, convirtiéndose posteriormente en Roma en conservador de las antigüedades romanas. En las figuras podemos apreciar la incorporación del movimiento a sus composiciones, alejándose del estatismo de la escuela de Umbría con Perugino a la cabeza. Las Gracias se insertan con sabiduría en el paisaje, iluminadas por un potente foco de luz que acentúa la belleza de sus cuerpos, cubierto el de la derecha con un transparente velo mientras que sus compañeras se exhiben al desnudo.
Posiblemente Rafael siguiera como modelos camafeos o medallas antiguas, teniendo también como punto de referencia las escenas mitológicas que Botticelli había elaborado para los Medici. La suavidad y dulzura que caracteriza la pintura de Sanzio se empieza a poner de manifiesto, inspirándose en los trabajos Leonardo así como en Fra Bartolomeo.
La escuela de Atenas, este fresco - una obra maestra de diseño - representa la verdad natural, adquirida a través de la razón. Bajo la bóveda de arco de una inmensa basílica con techo artesonado y pilastras, (inspirado por Constantino en el Foro Romano), decorado con estatuas de Apolo y Minerva, una multitud de filósofos y sabios del pasado, junto con artistas y mecenas del Alto Renacimiento, discutir acaloradamente entre sí o mediar en silencio. La perspectiva lineal extraordinariamente profunda crea una increíble ilusión de profundidad. En el centro vemos Platón (larga barba blanca y las características de Leonardo da Vinci), texto del Timeo en la mano, la otra mano apuntando al cielo, el "asiento de todas las ideas". A su lado es Aristóteles, a su vez, la celebración de su Ética y apuntando a la tierra. Los dos filósofos y su gesticulando hacer un punto que es el núcleo de la filosofía de Marsilio Ficino: Gesto de Aristóteles simboliza el espíritu positivo; el gesto vertical de Platón alude a una calidad superior, la contemplación de las ideas.

Donato Donatello
Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386-id., 1466) Escultor italiano. Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.
Donatello fue educado en la casa de la Martellis, unas ricas familias florentinas e influyentes de los banqueros y mecenas estrechamente ligadas a la familia Medici. Fue aquí que Donatello probablemente recibió por primera vez la formación artística de un orfebre local. Aprendió la metalurgia y la fabricación de metales y otras sustancias. En 1403, trabajó de aprendiz con Florencia orfebre y escultor Lorenzo Ghiberti. Unos años más tarde, Ghiberti fue el encargado de crear las puertas de bronce para el baptisterio de la catedral de Florencia, superando a su rival artista Filippo Brunelleschi. Donatello asistido Ghiberti en la creación de las puertas de la catedral.
Hay relatos de algunos historiadores que Donatello y Brunelleschi trabado amistad en torno a 1407 y viajaron a Roma para estudiar el arte clásico. Los detalles del viaje no son bien conocidos, pero se cree que los dos artistas adquirieron conocimientos valiosos a excavar las ruinas de la Roma clásica. La experiencia dio Donatello un profundo conocimiento de la ornamentación y las formas clásicas, conocimientos importantes que eventualmente cambiar la cara del arte italiano del siglo 15. Su asociación con Brunelleschi probablemente le influyó en el estilo gótico que se puede ver en gran parte de los primeros trabajos de Donatello.
David de Bronce
Estatua hecha en bronce por 1430, posee un modelado y proporciones clásicas si bien la actitud de la figura muestra relación con la gracia de algunos modelos de Ghiberti. La figura muestra a un joven pensativo, no exento de cierta melancolía, que ofrece, por encima de la normatividad del clasicismo, una nostálgica poética del sentimiento identificativa de las obras de Donatello.
María Magdalena Penitentee n 1453, Donatello volvió a su ciudad natal, Florencia, y allí recibió el encargo para hacer una Magdalena penitente que tenía que ubicarse en el baptisterio de San Juan de Santa María de Fiore y que actualmente se encuentra en el Museo dell'Opera del Duomo. El escultor se inspiró en "La leyenda dorada" deJacopo de la Vorágine donde se relata el retiro de Maria Magdalena. Para conseguir la redención de sus pecados ejerció de ermitaña en, según se cree, el sur de la actual Francia. Realizada en madera policromada, el artista planteó una mujer madura demacrada, cubierta con una prenda de piel completamente ajada, un largo pelo que le cubre el cuerpo. Es una escultura de pie, con las manos huesudas en acto de oración, con un rostro fatigado y dolorido, con unos pómulos muy marcados por su extrema delgadez. Sus ojos son profundos y la boca entreabierta presenta una dentadura mellada. Este enorme expresionismo fuera de los cánones de la antigüedad llamó mucho la atención en los ordenados humanistas. Preconizó el sufrimiento expuesto en las mejores tallas del barroco hispano e italiano de corte religioso.
Obras maestras
El nacimiento de Venus c. 1485 - Sandro Botticelli
El nacimiento de Venus c. 1485
La obras maestras Primavera (c. 1478) y El nacimiento de Venus (c. 1485) ambos fueron vistos por Vasari en la villa de Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis en Castello en la mitad del siglo 16, y hasta hace poco, se asumió que ambas obras fueron pintadas específicamente para la villa. Estudios recientes sugieren lo contrario: la Primavera fue pintado para casa adosada de Lorenzo en Florencia, y el nacimiento de Venus fue encargado por otra persona por un sitio diferente. Por 1499, ambos habían sido instaladas en Castello.
En estas obras, la influencia del realismo gótico está atemperada por el estudio de Botticelli de la antigüedad. Pero si los medios pictóricos pueden ser entendidos, los propios sujetos permanecen fascinante para su ambigüedad. Los complejos significados de estas pinturas siguen recibiendo atención académica generalizada, centrándose principalmente en la poesía y la filosofía de los humanistas que fueron contemporáneos del artista. Las obras no ilustran textos particulares; más bien, cada uno se apoya en varios textos para su significado. Por su belleza, caracterizada por Vasari como ejemplo de "gracia" y por John Ruskin como poseedora de ritmo lineal, no puede haber ninguna duda.

El Bosch
Hieronymus Bosch era un pintor holandés y se cree que fue entrenado por su padre, también pintor de profesión.
Parece que siempre vivió y trabajó en su lugar de nacimiento, Hertogenbosch, Países Bajos.
Sólo hay alrededor de 40 piezas que se sabe que su con fianza absoluta, él siempre fue un éxito y vivía bien. Bosch era un favorito de Felipe II (Felipe II), el Rey de España por lo que un alto porcentaje de su trabajo reside en España. La originalidad genio de Bosch (Bosco) consiste en crear un mundo de fantasía, cargado de simbolismo, (no siempre se entiende), sin embargo, con la riqueza de formas y colores. En su tiempo y ahora su imaginación supera a la mayoría, si no todos los pintores surrealistas, que para la mayoría de ellos Bosch (Bosco) es su más ilustre antepasado.
Obras
El jardín de las delicias (El Jardín de las Delicias) Pintado: 1500. TAMAÑO ORIGINAL: 81.1 "x 151.9" Una trilogía excepcional, un prodigio en los mitos y tradiciones mundanas con imaginación, plagado de un clima de fantasías que parecen inagotables. Es una pintura que tiene situaciones sucesivas que piden las contemplaciones onlookers'.
Tablero de la mesa de los siete pecados mortales y las cuatro cosas pasadas (La Mesa de los Pecados Capitales) TAMAÑO ORIGINAL: 47.2 "x 59" El cuadro perteneció a Felipe II y fue en El Escorial hasta 1938. Luego se trasladó al Museo del Prado, donde ha estado hasta el momento actual. Cinco círculos están formando esta tabla: cuatro pequeños (Muerte, Juicio, Infierno y Gloria), y uno central que parece ser un gran ojo que muestra resucitó a Cristo en el centro. Alrededor de esta pupila (círculo pequeño) hay escenas de la vida cotidiana que representan los pecados capitales: soberbia, lujuria, avaricia, pereza, la gula, la envidia y la ira. Una curiosidad: América inscripción "Cueva, cueva, Videt dominus" significa "cuidado, cuidado, de Dios te está mirando".


Masaccio
Tommaso Cassai, también conocido como Masaccio, fue otro gran artista florentino que surgió a principios del siglo XV. Nació en 1401 y vivió con su hermano menor y su madre viuda. La familia vivía en una gran pobreza, pero la situación financiera parece haber disminuido en el nuevo matrimonio de su madre. Florencia estaba bajo el control de Cosmo el Viejo y los Medici se había convertido en la primera familia de la ciudad tanto en lo artístico y lo político, y la ciudad en sí estaba disfrutando de un período de calma y prosperidad. Masaccio fue aceptado en el gremio de pintores de Florencia en 1422 se hizo amigo de Donatello y Brunelleschi y fue influenciado por su trabajo. Giotto fue también una importante fuente de inspiración para el pintor, y abrazó el ejemplo de Giotto en un rechazo del estilo gótico internacional de la época. Él es uno de los primeros artistas en utilizar un punto de fuga en su obra que emplea el uso de la perspectiva científica en sus pinturas. La primera obra que se le atribuye es la Giovenale Tríptico de San en la iglesia de Cascia di Reggello, cerca de Florencia.
En 1427 Masaccio pintó su Santísima Trinidad para la iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia. Este fresco es considerado como una de sus mejores obras maestras y fue redescubierto en 1861 después de haber sido escondido por un retablo de piedra en el siglo XVI. Desaparición temprana de Masaccio ha significado que existen muy pocos trabajos que se le atribuye en su totalidad. Colaboraciones con otros artistas incluyen la Virgen y el Niño con Santa Ana, pintado en colaboración con Masolino, y Virgen con el Niño y ángeles, pintados con su hermano Giovanni.En alrededor de 1428 el artista abandonó Florencia y viajó a Roma, donde murió a la edad de 27 años. Durante su corta vida no le gustaba la estima popular dado a algunos de sus contemporáneos, su fama se limitó a otros pintores, pero su influencia en las sucesivas generaciones de artistas es profunda. Se dice que todos los artistas florentinos estudiaron su trabajo, incluyendo Miguel Ángel. Su legado fue dirigir manera Pintura italiana del estilo gótico y hacia una interpretación más realista y natural del mundo.